As ferramentas de um artista
Versão em português abaixo
A ballerina can be seen as many things: performer, entertainer, actress, athlete, dancer, mover. But first and foremost, ballerinas are artists. So often, the creative and artistic side of ballet is obscured, especially on social media, by the physical qualities one possesses - the hyper flexible feet and legs that allow you to bend your body in half - or the mastering of technical tricks - the multiple spinning, crafty jumping. None of these carry the essence of what ballet truly is, it is not even close to what I believe it represents.
Maybe I’m just saying this because these physical and technical abilities have never come naturally to me, so I choose to focus on what resonates with me the most. Each and every one of us has unique qualities and has found through dance something which gives us great satisfaction, be it in the technical challenges, in the creative process of dance, or in the acting and performing. I’ve never been able to show off that I'm super flexible, never been able to turn like a spinning top. I celebrate every time I manage to turn three or four pirouettes in the studio. It literally makes my day, and I often ask myself... why??
Why is it so satisfying for us dancers to be able to do multiple turns? To hold a balance and stay on pointe for as long as the music will allow us? It is not that I don’t see the point in them. I would be lying if I said that I’m not thinking about it all the time in the studio, trying to hit that perfect balance, looking for the perfect axis to turn five pirouettes. But for me, it all comes down to one thing: gaining control of body and mind.
To be able to surpass your own limits is very gratifying, and it is exciting for an audience too to see what amazing things dancers are able to do. But since I was little, I’ve felt deep down that ballet wouldn't be about doing tricks for me. I wanted to tell stories and enjoy my dancing without the steps getting in the way. It takes an incredible amount of strength and control to be able to master technique, to have something so innate in us that we are allowed the freedom to just dance and let go with absolute confidence in our abilities, to be able to interpret any role without having to worry about the steps themselves.
As a young girl going from one competition to the next, I witnessed dancers my age doing the most challenging steps and combinations with such fearless attitude on stage. I always felt a little bit behind, like I wasn’t keeping up with the ballet requirements. I couldn't turn 32 fouettes (considered one of the biggest technical challenges for a dancer), my legs wouldn't come up to my ears in a developé. I just felt kind of... average. I'm nothing extraordinary, I thought. I would discover that my qualities lied in other aspects of my being, and that I could express my love for dance in other ways.
In Brazil, forteen-year-old dancers are already performing pas de deux, variation, and coda. When I joined Canada's National Ballet School, I realised that this wasn't the norm. Dancing wasn’t about showing who could do the hard steps, and it wasn't just for those who were physically gifted. People were scared that I would feel contained, that training would be slow and tedious. But for me, it was a relief to know that I wasn’t expected to be doing more. Seeing that the details were really important, that a slow progression is better than trying to do things incorrectly, and that other qualities were treasured in a dancer (which I felt to possess) was very encouraging.
I found that my strengths as a dancer lied in my musicality and sensibility, my intelligence and coordination, even in my intuition. I looked to understand each role I was about to perform more in terms of their interpretation, and I found inspiration in past and present ballerinas who seemed to hold on to what I, too, believed. I was very drawn to their artistry, and started to explore my own artistic skills. While learning the Sylph in La Sylphide for a school's performance, I made a little book with passages and comments on the role, details that felt important to me.
I would only have to perform 32 fouettes already in my twenties. I did the Don Quixote pas de deux as part of a mixed bill, and to terrify me even more, it was on a RAKED stage at the Leeds Grand Theatre. Nine years later, at the Royal Opera House stage, I would perform an even harder version of the step as a Blue Girl in Ashton's Les Patineurs. It is, to this day, one of the most challenging things I've had to do. I practiced and practiced until late hours of the day, and managed to do them alright on stage. Phew! There is still a lot of room for improvement, but once you get over the fear, you are half way there.
Classical technique takes such self-discipline and focus, such tremendous physical and mental efforts. Achieving greater mobility, better turns and balance, higher jumps… these are the rewards of hard work but at the end of the day, they are simply tools that allow us to create an illusion on stage. The movement speaks of the character. In Giselle, for instance, her jumps give the impression that she is floating in the air. Steps can portray gracefulness or precision, vulnerability or power. In abstract ballets, they create shapes and forms that are intriguing, provoking, meaningful.
None of it would be possible without constant training; but technique is not an end on itself, it is a means of enabling dancers to express themselves and what the choreography asks of them. To gain speed and agility, one must practice. To execute all the steps with clarity and precision, one must practice. Even a graceful run across the stage is challenging, yet the fine execution of steps alone won't make you an artist.
‘Great dancers are not great because of their technique, they are great because of their passion.’ - Martha Graham
Martha Graham - the mother of modern dance - once said that technique is what allows the body to achieve its plain expressiveness. 'To acquire dance technique has only one aim: train the body to respond to the demands of the spirit.' Like Isadora Duncan before her, she created her own language - the Graham technique - and her approach to dance and theatre revolutionized the art form.
In reading Roger Garaudy’s Dançar a Vida (Danser sa vie) a few weeks back, I was reminded of the history of ballet and how it evolved. It was born in the Italian courts in the fifteenth century and anchored in France where Louis XIV, a patron of the arts, made it into a profession by creating a centre for Opera and Ballet, now the Paris Opera. That changed a lot of things for ballet.
In his book, Garaudy explains why and how it became a very academic style of dance. I learned an interesting fact on why the basis of classical technique is that we dance turned out. I always thought… where does it come from? Is it just to make things more challenging?? There seems to be an explanation for it, obviously.
'The fact of being presented on an elevated stage had important consequences for the evolution of classical dance. As the spectators were all on the same side (and no longer around, as before) it was necessary for the dancer to face the audience, even when moving from one side of the stage to the other: the solution to this problem consisted of turning the thigh and the knee out. This movement, more and more pronounced, was codified, in 1700, by Pierre Beauchamp, dance teacher of Louis XIV and later ballet maitre of the Royal Academy, who defined, before any other, the five positions of the feet and the rules of the port de bras.'
Ballets started to showcase more and more the dancers' technical brilliance and virtuosity, especially in the beginning of the twentieth century, some of which remain in our classical repertoire to this day. Petipa’s 'tricky' ballets all originated from that period of virtuous display: Don Quixote, La Bayadere, The Sleeping Beauty, Swan Lake, to name a few. For many years, classical technique has been developed and perfected. We practice our fouettes, we want to gain speed and agility, just so we can perform these roles with ease. We are expected to display such brilliance without letting ballet become a ‘dead language’.
Maurice Béjart - French dancer and choreographer - saw classical training as an indispensable tool to acquiring knowledge of the body. That, for me, is the main purpose of it: to get to know our bodies and how it moves, to gain ability and control. In ballet one must follow a certain aesthetic, but when working on our technique, it must be functional and not just 'pretty'. We must work within our body limitations.
It is important to think of longevity in dance. Dancers are very susceptible to injuries because we are asking our bodies to move in such unnatural ways. Hence the daily training, the physiotherapy and massage, a good nutrition. Hip replacements are a common procedure in former dancers, the remnants of years and years of strain. If we don't work very consciously, there is a high price to pay at the end of what is a very short career.
That is why we are also seen as athletes. The nature of our work demands physical strength and endurance for high-level performances. But unlike athletes, we don’t train every day to step up on the podium, receive a trophy, or get to the top in a world ranking. We train solely to become skilled and develop our art. There are no scores, there never was a ranking system. Besides training, we can learn a lot from watching someone who embodies our ideal of what a great performer is and find inspiration in them to help us become our very best.
When I’m watching a ballerina perform, I find myself gazing at their upper body, their facial expression, how they let themselves be moved by the music. I guess if I was more of a virtuous dancer, I would probably be drawn to legs and feet, to their skills and technical feats. We care about that which we want to preserve and protect, what we most resonate with.
I spot new talent when I see someone who seems to express something different, who has got that charisma and shows a certain sensibility to music, an honesty that radiates from within. I wouldn't even consider how many pirouettes they can do. That will come with training, but talent cannot be given or taken. Everybody wants to impress with their technical abilities, myself included, but truly, you can win me just by a beautiful port de bras.
There is a time and place to show your technical abilities, but it should never be at the sacrifice of artistry. Every choreographic movement has an intention, a meaning. Technical tricks are impressive and exciting, no doubt, because they bring that ‘wow’ factor to a performance, and it might be what some members of the audience most enjoy. But for me, it is only a small part of what constitutes an artist, what makes him/her whole.
I love watching someone dance with absolute control, and not feel nervous or scared for them. It is what I strive to achieve in my training. A lot of times, it will come with maturity and self-confidence. The performances I most enjoy are those where I forget about the steps and technique and feel completely immersed in my character or choreography. That makes me happier than anything, no matter if I actually nailed all the tricky bits.
From the seventeenth century to the present, classical dance has only become alive by its heretics, those who wanted to give it a human significance, using technical virtuosity only as a means to express, through the language of dance, human experiences as great as those that Michaelangelo, Shakespeare or Beethoven expressed through the language of their arts.
Garaudy
The ballet that we see on social media does not paint a real picture of what we see on stage. Even the most successful ballerinas I know don’t turn six, seven pirouettes in a performance. When it happens, it is usually because they are so focused on being their character and so carried away in the moment that it just happens instinctively…a balance lasts forever, they just keep spinning with the music, or they seem to fly in a jump, higher than ever. Inspiration combined with talent that has been moulded and shaped with a lot of work result in unimaginable things.
Training fouettes for Blue Girl. Take 1, take 2, take 3... If I could tell myself one thing it would be to let go of all tension, especially in my neck and shoulders. Easier said than done.
Martha Graham (1894-1991) on Technique.
As ferramentas de um artista
Uma bailarina pode ser vista como muitas coisas: intérprete, atriz, atleta, dançarina, performer. Mas acima de tudo, bailarinas são artistas. Muitas vezes, o lado criativo e artístico do balé é ofuscado, especialmente nas redes sociais, pelas qualidades físicas – pés e pernas hiper flexíveis que nos permitem dobrar o corpo ao meio - ou pelos truques técnicos a serem dominados - múltiplas piruetas e saltos malabarísticos. Nada disso carrega a essência do que o balé realmente seja, nem menos chega perto daquilo que acredito que o balé represente.
Talvez esteja apenas dizendo isso porque essa facilidade física não me é natural, por isso optei por focar naquilo em que mais me identifico. Cada um de nós tem qualidades únicas e encontra através da dança algo que nos dá grande satisfação, seja nos desafios técnicos, no processo criativo, ou na atuação e performance. Eu nunca tive uma super flexibilidade, nunca fui capaz de girar como um pião. Comemoro toda vez que consigo fazer três ou quatro piruetas em aula. Isso torna meu dia mais feliz, literalmente. E eu sempre me pergunto ... por que será?
Por que é tão gratificante para nós bailarinos sermos capazes de fazer várias piruetas? Capazes de manter o equilíbrio e permanecer na ponta dos pés até que a música nos faça descer? Não é que eu não veja sentido nenhum nisso. Estaria mentindo se dissesse que não penso nisso o tempo todo no estúdio. Vivo tentando atingir o equilíbrio perfeito, buscando o eixo perfeito para girar cinco piruetas. Mas para mim, tudo se resume a uma coisa: ganhar o controle do corpo e da mente.
Ser capaz de superar os próprios limites é muito gratificante. É também empolgante para o público ver as coisas incríveis que bailarinos são capazes de fazer. Desde pequenina eu sentia que no fundo, o ballet não seria somente sobre lidar com esses desafios técnicos. Eu queria contar histórias, curtir dançar sem que os passos me atrapalhassem. É preciso incrível força e controle para se dominar a técnica clássica, para fazer com que ela se torne algo tão inato que nos dê liberdade de dançar com absoluta confiança em nossas habilidades, sendo capaz de interpretarmos qualquer papel sem ter que nos preocupar com os passos em si.
Quando menina, indo de uma competição a outra, via bailarinos da minha idade realizando os passos e combinações mais desafiadores com uma atitude tão destemida no palco. Eu sempre me senti um pouco atrasada, como se não estivesse cumprindo os requisitos do balé. Não conseguia fazer 32 fouettes (considerado um dos maiores desafios técnicos para uma bailarina) , minhas pernas não batiam na orelha em um develope . Eu me sentia meio ... razoável. Não sou nada de extraordinário, pensava. Estava apenas me descobrindo, vendo que meu talento e aptidão se encontravam em outros aspectos do meu ser e que podia expressar meu amor pela dança de outras maneiras.
No Brasil os bailarinos dançam Pas de deux, variação e coda desde muito cedo. Quando entrei na Escola Nacional de Balé do Canadá, percebi que isso não era a norma. Dançar não era mostrar que você podia fazer passos difíceis, e não era apenas para aqueles que eram fisicamente abençoados. As pessoas tinham medo de que eu me sentisse contida, que o treinamento fosse lento e tedioso. Mas, para mim, foi um alívio saber que não esperavam que eu fizesse aquilo tudo. Vendo que os detalhes eram realmente importantes, que uma progressão lenta é melhor do que tentar fazer as coisas incorretamente, e que outras qualidades eram valorizadas (que eu sentia possuir) me enchia de alegria.
Descobri que meu ponto forte como bailarina estava na minha musicalidade e sensibilidade, na minha inteligência e coordenação, mesmo na minha intuição. Procurei entender cada papel que estava prestes a desempenhar mais em termos de interpretação e encontrei inspiração em bailarinas do passado e do presente que pareciam acreditar no que eu acreditava. Senti-me atraída por sua arte e comecei a usar toda força artística que possuía para meu benefício. Enquanto aprendia a Sylph em La Sylphide para o espetáculo da escola, fiz um livrinho com passagens e comentários sobre o papel nos quais queria me concentrar.
Eu só teria que executar 32 fouettes já com meus vinte anos, dançando o pas de deux de Don Quixote (para me aterrorizar ainda mais, foi num palco inclinado, no Leeds Grand Theatre) e nove anos depois no palco do Royal Opera House como Blue Girl em Les Patineurs de Ashton. É até hoje a coisa mais desafiadora que tive que fazer. Quando terminavam os ensaios do dia eu praticava e praticava, e até consegui fazê-los bem no palco. Ufa! Ainda há muito o que melhorar, mas superando o medo, já é meio caminho andado.
A técnica clássica exige tanta autodisciplina e concentração, tremendos esforços físicos e mentais. Obter maior mobilidade, melhores giros e equilíbrio, saltos mais elevados ... essas são as recompensas do trabalho árduo, mas no final são apenas ferramentas para que os bailarinos possam criar uma ilusão no palco. Cada passo fala de seu personagem. Em Giselle, por exemplo, seus saltos dão a impressão de que ela está flutuando no ar. Os passos podem retratar graciosidade ou precisão, vulnerabilidade ou poder. Nos balés abstratos, eles criam formas intrigantes, provocadoras e significativas. Nada disso seria possível sem um treinamento duro e contínuo.
A técnica não é um fim por si mesma, é um meio de permitir que bailarinos se expressem e que façam o que a coreografia os pede. Para se ter velocidade e agilidade, é preciso praticar. Para executar os passos com clareza e precisão, é preciso muito treino. Mesmo correr graciosamente é um grande desafio. Mas alem de técnica, um artista tem que ter algo mais.
'Grandes bailarinos não são grandes por causa de sua técnica, eles são grandes por causa de sua paixão.' - Martha Graham
Martha Graham - Mãe da dança moderna - disse uma vez que a técnica é o que leva o corpo a alcançar sua mais pura expressividade. 'Adquirir técnica na dança tem apenas um objetivo: treinar o corpo para responder às demandas do espírito.' Como sua precessora Isadora Duncan, ela criou sua própria linguagem - a técnica Graham - e sua abordagem à dança e ao teatro revolucionou a arte.
Ao ler Dançar a Vida, de Roger Garaudy, há algumas semanas, fui relembrada da história da dança e de onde o balé surgiu. Foi originado nas cortes italianas no século XV, vindo a se ancorar na França. Louis XIV, um patrono das artes, tornou-o uma profissão criando um centro de ópera e balé, agora a Ópera de Paris. Isso mudou muitas coisas para o balé.
Em seu livro, Garaudy explica como o balé se tornou um estilo de dança tão acadêmico. Aprendi um fato interessante sobre por que a base da técnica clássica é dançar en dehors. Eu sempre pensei ... de onde vem isso? Seria apenas para tornar as coisas mais difíceis? Parece haver uma explicação para isso, obviamente.
‘O fato de ser representada sobre um palco elevado teve consequencias importantes para a evolucao da danca classica. Como os espectadores estavam todos do mesmo lado (e nao mais em volta, como antes) era necessario que o bailarino ficasse de frente para o publico, mesmo quando se deslocava de um lado para o outro do palco: a solucao para este problema consistiu em virar a coxa e o joelho pra fora. Este movimento, cada vez mais pronunciado, foi codificado, em 1700, por Pierre Beauchamp, professor de danca de Luis XIV e depois maître de ballet da Academia Real, que definiu, antes de qualquer outro, as cinco posicoes dos pes e as regras do port de bras.’
Os balés começaram a mostrar cada vez mais o virtuosismo técnico dos bailarinos, especialmente no início do século XX, alguns dos quais permanecem em nosso repertório clássico até hoje. Aqueles ballets difíceis de Petipa se originaram daquele período de exibição virtuosa: Don Quixote, La Bayadere , A Bela Adormecida, Swan Lake, entre outros. Por muitos anos, a técnica clássica se desenvolveu e aperfeiçoou. Nós treinamos nossos fouettes, queremos ganhar velocidade e agilidade, apenas para que possamos realizar qualquer coisa com facilidade. Temos que demonstrar essa técnica, sem deixar que o balé se torne uma ‘linguagem morta’.
Maurice Béjart – bailarino e coreografo francês - via o treinamento clássico como uma ferramenta indispensável para se adquirir conhecimento do corpo. Esse para mim é o principal objetivo, entender nosso corpo e como ele se move, ganhar capacidade e controle. No balé, é preciso seguir uma certa estética, mas ao trabalharmos em nossa técnica, ela deve ser funcional e não apenas 'bonita'. Devemos trabalhar respeitando as limitações do nosso corpo.
É importante pensar em longevidade na dança. Bailarinos são muito suscetíveis a lesões, pois estamos pedindo que nossos corpos se movam de maneiras que não são naturais. Por isso a importância do treinamento diário, fisioterapia e massagem, além da boa nutrição. A cirurgia no quadril é um procedimento comum em ex-bailarinos, remanescentes de anos e anos de tensão e esforço. Se não trabalharmos conscientemente, há um preço alto a pagar no final de uma carreira que já é muito curta.
É por isso que também somos vistos como atletas. A natureza do nosso trabalho exige força física e resistência para performances de alto nível. Mas, ao contrário dos atletas, não treinamos todos os dias para subir ao pódio, receber um troféu ou chegar ao topo de um ranking mundial. Treinamos apenas para podermos dançar cada vez melhor e desenvolver nossa arte. Não há pontuações, nunca houve um sistema de classificação. Alem de treinar, podemos aprender muito observando alguém que incorpore nossos ideais do que é ser um bom artista e encontrar inspiração para nos tornarmos o melhor que podemos ser.
Quando assisto uma bailarina dançar, me vejo observando sua expressão facial, braços e tronco, como ela se deixa levar pela música. Acho que se eu fosse uma bailarina mais virtuosa, provavelmente me sentiria atraída por pernas e pés, por habilidades e feitos técnicos. Preocupamo-nos com o que queremos preservar e proteger, com aquilo que mais nos identificamos.
Encontro novos talentos quando vejo alguém que parece expressar algo diferente, que tem carisma e mostra certa sensibilidade à música, uma honestidade que irradia de dentro para fora. Eu nem consideraria quantas piruetas podem fazer. Isso virá com o treinamento, mas talento não se é dado ou conquistado. Todos querem impressionar com suas habilidades técnicas, inclusive eu. Mas, sinceramente, você pode me conquistar apenas com um olhar ou um port de bras.
Há o tempo e lugar certos para mostrarmos habilidades técnicas, mas nunca devemos sacrificar a arte. Todo movimento coreográfico tem uma intenção, um significado. Os truques técnicos são impressionantes e emocionantes, sem dúvida. Trazem um 'uaaaau' para uma performance, e pode ser o que alguns membros da platéia mais apreciem. Para mim, é apenas uma pequena parte do que constitui um artista, o que o torna inteiro. O ballet começa com a paixão.
Adoro ver alguém dançar com controle absoluto e não me sentir nervosa ou ansiosa por eles. É o que eu me esforço para alcançar no meu treinamento. Muitas vezes, isso virá com maturidade e autoconfiança. As performances de que mais curto são aquelas em que esqueço os passos e a técnica e me sinto completamente imersa em meu personagem. Isso me deixa mais feliz do que qualquer outra coisa, não importando se eu tenha feito todos os passos brilhantemente.
‘Do seculo XVII ate nossos dias, a dança classica so se tornou viva pelos seus hereges, aqueles que lhe quiseram dar uma significação humana, utilizando o virtuosismo tecnico apenas como um meio para expressar, atraves da linguagem da dança, experiências humanas tão grandes quanto aquelas que Michaelangelo, Shakespeare ou Beethoven expressaram atraves da linguagem de suas artes.’
O balé que vemos nas redes sociais não reflete o que vemos no palco. Até as bailarinas mais bem-sucedidas que conheço não fazem seis, sete piruetas em cena. Quando isso acontece, geralmente é porque estão tão concentradas em serem seus personagens e tão inspiradas no momento que tudo acontece instintivamente ... um equilíbrio dura para sempre, elas continuam girando com a música ou parecem se elevar num salto mais alto do que nunca. Inspiração quando combinada ao talento que foi moldado e modelado com muito cuidado resulta em coisas inimagináveis.
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